Presentata dal Rettore dell’Università Tor Vergata Giuseppe Novelli e dal direttore artistico di Roma Sinfonietta Luigi Lanzillotta la stagione dei concerti 2014, che si svolgerà fino al 21 maggio nell’Auditorium “Ennio Morricone” della Facoltà di Lettere e Filosofia. Il rettore Giuseppe Novelli, dimostrando di credere nell’importanza della musica per la completa formazione intellettuale degli studenti e per il consolidamento del senso di appartenenza di studenti, professori e personale tutto alla comunità universitaria, ha voluto rinnovare e rafforzare la collaborazione tra queste due prestigiose istituzioni della capitale, che si concretizza in una ricca serie di appuntamenti. Fino al 21 maggio 2014 sono in programma 10 concerti in abbonamento, un concerto straordinario per la pace e alcuni incontri speciali con popolari cantanti e musicisti.

Il programma ideato dal direttore artistico Luigi Lanzillotta propone un’offerta musicale molto articolata, che abbraccia un ampio ventaglio di esperienze musicali, dal Settecento ai nostri giorni, dalla musica sinfonica alla cameristica, dall’opera al jazz. In sintesi, i dieci concerti in abbonamento si possono suddividere in quattro concerti sinfonici, due concerti cameristici, un concerto lirico e tre concerti jazz: ma questo non dà pienamente conto della varietà delle proposte.

I concerti, tranne un paio di eccezioni, si svolgeranno il mercoledì, e l’orario di inizio è sempre le 18.00.

Il 5 marzo, primo appuntamento con la musica da camera. Si ascolteranno musiche di Mozrt, Reinecke e Debussy affidate al flauto di Mario Ancillotti, uno dei musicisti italiani più rappresentativi nell’ambito del suo strumento, oltre che direttore d’orchestra e organizzatore. A Roma molti lo ricordano perché divideva con Severino Gazzelloni l’incarico di primo flauto dell’Orchestra della Rai, prima di dedicarsi interamente all’attività solistica. Con lui suona il pianista Alessandro Marangoni. Aggiunge ulteriore interesse al concerto la partecipazione di una grande attrice come Milena Vukotic, che interpolerà alla musica la lettura di testi di Mozart stesso, di Pierre Louys e di Friedrich de La Motte Fouqué.

La musica da camera torna il 12 marzo con un altro grande solista di strumento a fiato, Alessandro Carbonare, che è stato primo clarinetto dell’Orchestre National de France e ora lo è dell’Orchestra dell’Accademia di Santa Cecilia. Ha suonato come solista con grandi direttori, tra cui Claudio Abbado, che l’ha voluto anche per l’incisione del Concerto K. 622 di Mozart. Con il pianista Monaldo Braconi e la violinista Elisa Papandrea ha impaginato un programma che esplora diversi aspetti della musica dei primi decenni del ‘900: Stravinsky, Poulenc, Gershwin arrangiato da Russell Bennett e Weill rivisitato da Priolo. Accanto a questi classici del Novecento, due autori contemporanei, il salentino Francesco Maggio, compositore di grande talento naturale e spontaneamente portato a valorizzare l’aspetto comunicativo della musica, e il clarinettista, sassofonista e compositore tedesco Reiner Kuttenberger, di cui sarà eseguito un pezzo di forte carica teatrale.

Il 26 marzo entra in scena il jazz con il duo Fabrizio Bosso – Luciano Biondini. Le doti d’improvvisatore e la tecnica virtuosistica fanno di Bosso uno dei piu’ grandi trombettisti di jazz al mondo, mentre Luciano Biondini e’ uno dei maggiori fisarmonicisti italiani e un vero maestro e virtuoso del suo strumento. I due si conoscono e si ammirano da molto tempo e da qualche anno si esibiscono spesso in duo. In questo concerto spaziano da pezzi di loro ideazione a Brahms, a Rota e a The Shadow of Your Smile di Johnny Mandel e Paul Francis Webster, portato al successo dalla cantante brasiliana Astrud Gilberto e vincitore nel 1965 di un Academy Award e un Grammy.

Il 2 aprile secondo appuntamento con l’Orchestra Roma Sinfonietta, che questa volta presenta due capolavori della musica barocca. Lo Stabat Mater è l’ultima composizione di Giovan Battista Pergolesi, portata a termine pochi giorni prima della sua precocissima morte a soli ventisei anni: era la prima volta che la musica sacra si animava di un calore e una carica emotiva nuovi, che dopo quasi trecento anni non si sono ancora attenuati. A Pergolesi segue  Georg Friedrich Haendel con la sfavillante Suite in re maggiore per trombino e archi. I solisti sono Paola Sanguinetti  e Renata Lamanda in Pergolesi e Andrea Di Mario in Haendel. Sul podio Carlo Rizzari, che al ruolo di assistente di Antonio Pappano all’Accademia di Santa Cecilia affianca una carriera internazionale sempre più intensa e ricca di soddisfazioni.

Il 9 aprile ritorna il jazz con Natalio Mangalavite, pianista argentino di origini italiane e tornato da più di vent’anni in Italia, dove una brillante attività di solista, collaborando canche on Fabio Concato, Peppe Servillo, Fabrizio Bosso e e altri musicisti del mondo pop, jazz e etnico. Il titolo del suo concerto, “Musica dalla fine del mondo”, si riallaccia a una frase di papa Francesco I, quando ha detto di venire dalla fine del mondo, l’Argentina. Sono infatti in programma autori argentini e  di altri paesi sudamericani, tra cui non può mancare Astor Piazzolla.

Venerdì 11 aprile, fuori abbonamento, un concerto per la pace con l’Ensemble Musica d’Oggi e la partecipazione di Anna Oxa. Musiche di Ennio Morricone, Donatella Caramia, Matteo D’Amico e dei giovanissimi Alessandra Ravera e Domenico Turi.

Un’occasione da non perdere è il concerto del 30 aprile con Mariella Devia, accompagnata dal pianista Antonello Maio. Questa grande signora del bel canto riserva al pubblico di Tor Vergata un prezioso recital verdiano, in cui eseguirà alcune romanze da camera e tre arie tratte dalle opere I Lombardi alla prima crociata, Il Corsaro e I Vespri siciliani, mettendo al servizio di Verdi la sua tecnica squisita e infallibile, che oggi probabilmente non ha eguali al mondo.

Il 7 maggio torna l’Orchestra Roma Sinfonietta per un concerto dedicato ai due grandi rappresentanti dello stile classico, Haydn e Mozart, con Luigi Piovano come direttore e solista. Piovano è primo violoncello dell’Orchestra dell’Accademia di Santa Cecilia e primo violoncello ospite della Tokyo Philharmonic Orchestra e della Seoul Philharmonic Orchestra e svolge contemporaneamente un’intensa attività di solista, che l’ha portato a suonare con illustri partner come Wolfgang Sawallisch, Myung-Whun Chung e soprattutto Antonio Pappano, con cui collabora regolarmente dal 2007. Dal 2002 svolge inoltre un’attività di direttore d’orchestra, che è in grande espansione e lo vede spesso sul podio dei Musici Aurei, con cui ha inciso vari cd.

L’ultimo concerto di jazz, il 14 maggio, è un appuntamento da non perdere con un quartetto d’eccezione, formato dalla voce di Maria Pia De Vito, dal pianoforte di Rita Marcotulli, dal contrabbasso di Ares Tavolazzi e dalla batteria di Roberto Gatto, cioè da quattro dei migliori musicisti jazz italiani. In programma musica della stessa Marcotulli e di Duke Ellington.

Come aveva inaugurato la stagione, così l’Orchestra Roma Sinfonietta la chiude, il 21 maggio. Fabio Maestri dirige un programma che vede Vincenzo Bolognese, primo violino di spalla dell’Opera di Roma, impegnato in ben tre brani: il Concerto in re minore per violino, pianoforte e archi di Mendelssohn (con Michelangelo Carbonara al pianoforte), il Valse-Scherzo op. 34  di Ciajkovskij e il Poème op. 25 di Chausson. Maestri dirige inoltre le Danze rumene di Bartok.

Affiancheranno i concerti incontri, che si svolgeranno alle ore 12.00: con Amedeo Minghi il 5 marzo, con il giovane cantautore calabrese emergente Dario Brunori Sas il 9 aprile e con altri musicisti e cantanti da determinare.

Mauro Mariani

Genova è città di cantautori e musicisti illustri. La sua relazione con la musica è radicata nella storia e “si respira” passeggiando per gli stretti caruggi del centro storico, alla ricerca dei luoghi che hanno ispirato canzoni o che sono stati palcoscenico di memorabili esibizioni.

Il musicista genovese più celebre al mondo è senza dubbio Niccolò Paganini, eccellente violinista, noto per i suoi virtuosismi e per la sua sregolatezza, che tanto amò la sua città da decidere di lasciarle in eredità il suo preziosissimo violino Guarneri del Gesù (1743), conservato a Palazzo Tursi all’interno della Sala Paganiniana.

Dal 18 al 22 febbraio Genova rende omaggio al suo celebre concittadino con una “settimana paganiniana”, ricca di iniziative, concerti, anteprime e musica. Protagonista di questa settimana sarà David Garrett, uno dei più celebri e amati violinisti a livello internazionale, artista di grande popolarità, paragonabile ormai a quella delle più note popstar internazionali.

Il ricco programma della settimana include l’ anteprima nazionale del film “Il violinista del diavolo”, un concerto di David Garrett al Carlo Felice e un importante calendario di eventi dedicati alla figura e all’opera di Paganini, organizzato dal Conservatorio.

Il film, ispirato ad un breve periodo della vita del violinista genovese, vede come protagonista, nel ruolo di Paganini,  proprio David Garrett, al suo esordio come attore cinematografico. La produzione, di grande spettacolarità, sarà distribuita nei cinema di tutta Italia e d’Europa. L’anteprima italiana, in onore alla “genovesità” di Paganini, si svolgerà mercoledì 19 febbraio alle ore 20.30 presso il Cinema Sivori.

Il giorno dell’anteprima, 19 febbraio, alle 18,30,  David Garrett, nell’ambito del progetto “Fuori Teatro”, incontrerà la città nel foyer del Teatro Carlo Felice. Saranno presenti all’incontro: Marco Doria, Sindaco di Genova; Carla Sibilla, Assessore alla Cultura e al Turismo del Comune di Genova; Giovanni Pacor, Sovrintendente del Teatro Carlo Felice.

Nell’occasione il Sindaco di Genova presenterà l’edizione 2015 del “Premio Paganini”. Istituito dalla Città di Genova nel 1954, in ricordo del celebre virtuoso, il “Premio Paganini” è uno dei massimi concorsi internazionali di violino, e ha laureato nel corso degli anni violinisti straordinari quali Salvatore Accardo, Gidon Kremer, Leonidas Kavakos, Ilya Gringolts. Fondazione Bracco, proseguendo nel suo impegno verso la città di Genova,  dopo il progetto “Arte e tecnologia”, che ha visto la partnership con il Comune genovese per valorizzare il patrimonio dei Musei di Strada Nuova grazie a tecnologie d’avanguardia, contribuirà al rilancio del Concorso Internazionale finanziando il primo e il secondo premio.

Il giorno seguente, 20 febbraio, alle ore 20.30, il Carlo Felice ospiterà una delle tre date italiane di David Garrett, in concerto con l’orchestra del teatro diretta dal M° Johannes Wildner.

Altri eventi in programma nel corso della “settimana Paganiniana”: il concerto della violinista Bin Huang, vincitrice del premio Paganini nel 1994, che si svolgerà presso il Conservatorio Paganini martedì 18 febbraio alle ore 20.30 e una masterclass, che la stessa violinista terrà in conservatorio dal 20 al 22 febbraio.

Articolo di M. Chiappa

Le leggende del rock  Ian Gillan (voce), Steve Morse (chitarra), Roger Glover (basso), Don Airey (tastiere) e il fondatore Ian Paice (batteria), meglio noti come Deep Purple, ritornano in Italia il 18 luglio 2014 a Barolo (CN), nell’ambito del festival Collisioni 2014 – Harvest.

Dopo aver pubblicato il 26 aprile 2013 “Now What?!”, il diciannovesimo album in studio della loro carriera, i Deep Purple hanno intrapreso, dopo due anni di assenza dai palchi, un trionfale tour mondiale che ha riconfermato ancora una volta l’indiscusso valore della storica formazione hard rock inglese. L’ultimo disco di inediti, “Now What?!”, è considerato uno dei migliori lavori della band e ha debuttato al n. 12 della classifica italiana, mentre in Germania, Austria, Repubblica Ceca e Norvegia è balzato direttamente al n. 1 e in Russia è diventato disco d’oro.

Con il nuovo tour estivo del 2014, i Deep Purple alterneranno i brani dell’ultimo album ai grandi e indimenticabili classici –Smoke on the Water, Child in Time, Highway Star, Hash,  che li hanno resi celebri in oltre 45 anni di onorata carriera.

I dettagli della data:

DEEP PURPLE + guests

venerdì 18 luglio 2014

Barolo (Cuneo)
Piazza Colbert – Collisioni Festival
Apertura porte: 18,00

supporter: 20,30

Deep Purple on stage: 21,30

Biglietti:  26 € + d.p.

Biglietti in vendita sul circuito Ticketone e nei punti vendita autorizzati

Anna Gilardi

In tedesco walzen vuol dire rigirarsi (in inglese il termine corrispondente è waltz); e quindi il termine walzer indicava una serie di giravolte eseguite in perfetta armonia con le basi musicali.

Il Valzer deriva da alcune danze di origine austriaca e bavarese, come il Dreher (da ‘sich drehen’ girare su se stessi), il Landaus, la Deutsche, lo Yodler e soprattutto il Ländler, una danza popolare, oltre che da numerose altre forme di danza molto antiche e della più diversa provenienza come la Volte francese, la Sarabanda, il Canario, la Country inglese, l’Ecossaise.

Il Ländler era originariamente una danza di campagna o Contraddanza (deformazione dell’inglese Country dance) dall’andamento moderato e ritmicamente molto marcato, assai diverso dall’eleganza leziosa del Minuetto di origine aristocratica. Era già praticamente il Valzer, ed era diffuso nelle campagne sin dalla metà del ‘700. Finché erano contadini a ballare volteggiando abbracciati belli stretti, nessuno aveva molto da ridire; ma il Ländler arrivò a Vienna, dove venne adottato dalla borghesia. Mentre la borghesia aggiungeva gaudiosamente il Ländler alle proprie debosce, i ricevimenti della nobiltà si attenevano a un rigido protocollo. Si ballavano esclusivamente danze piuttosto noiose (e sessualmente innocue) come il Minuetto, la Scozzese e la Polacca. Le feste dei nobili, diversamente da quelle dei borghesi, non avevano fini di puro divertimento, ma ragioni molto più utilitarie: erano occasioni per imbastire trame politiche, combinare matrimoni, organizzare manovre finanziarie, oltre che dimostrare che chi le organizzava era potente. Dopo il Congresso di Vienna, 1815, la crema della politica e della nobiltà europea si concentrò in massa nella capitale dell’impero austroungarico per spartirsi la torta postnapoleonica. Fu un’epoca di frenesia teatrale, operistica e di concerti pubblici, e naturalmente la nobiltà locale fece a gara a chi dava la festa più ricca. Non si sa in quale palazzo risuonò il primo Ländler, ma questo ballo diventò di moda in pochi giorni.

Il Ländler era una specie di incontro ravvicinato del terzo tipo, tanto sconcio per l’epoca che l’Arcivescovo di Vienna emanò una bolla con la quale proibiva di ballarlo sotto pena di scomunica.

D’altro canto, ormai la nuova danza aveva preso definitivamente piede negli ambienti più esclusivi in sole 2 o 3 settimane perché ci si potesse rinunciare. Si ricorse quindi a un immediato escamotage: si cambiò il nome alla danza (“Non stiamo ballando il Ländler, stiamo ballando il Valzer, quindi niente scomunica!”). Per l’Arcivescovo fu una sconfitta tremenda.

Con l’affermarsi della borghesia il Valzer divenne una danza propriamente cittadina, più veloce ed elegante rispetto al Ländler e dal ritmo meno marcato. Questo ballo divenne in tal modo il sigillo di una civiltà complessa che cercava rifugio nella leggerezza e che chiedeva in primo luogo di scansare il dramma e la tragedia. Forse per questo un attempato burocrate asburgico poté dire che in fondo l’impero di Francesco Giuseppe aveva cessato realmente di esistere già con la morte di Strauss, come se quel mondo danubiano dal quale è nata tanta parte della più ardua e severa intelligenza moderna potesse riconoscersi soprattutto nella grazia superficiale e spumeggiante de Sul Bel Danubio blu. In quel suo ritmo circolare di una gioia che sempre fugge per sempre tornare, ma più tenue e lontana, il Valzer aveva fuso i due stati d’animo, apparentemente antitetici ma strettamente connessi, con i quali l’Austria presagiva e fingeva di ignorare la propria fine: lo scetticismo e la nostalgia.

Verso la fine del XVIII secolo il Valzer prese a diffondersi rapidamente in tutta Europa: non esistono, ad esempio, dei Valzer nel ricco repertorio mozartiano, a meno che non si vadano a ricercare nella lunga lista di opere di dubbia attribuzione. I 12 Valzer composti da Haydn nel 1792 e quelli composti da Beethoven nel 1795 recano ancora il titolo di Contraddanze; la forma vi è semplicissima: 2 periodi di 8 battute con ritornello, il melodizzare elementare ma gradevole, l’armonia ridotta all’essenziale.

Sviluppi e ascesa del Valzer

Il termine Valzer appare fra le prime volte in un’opera buffa di Martin Y Soler dal titolo La cosa rara, rappresentata a Vienna nel 1786. Fu anche il successo di quest’opera che contribuì alla irresistibile ascesa di questi brani. Per la loro grande semplicità, i compositori tenevano in scarsa considerazione questo genere, considerandolo privo di ogni pretesa artistica; gli editori tuttavia richiedevano con insistenza questo ballo, cominciando ad intravedere in esso una sicura fonte di guadagno. Spontaneamente il Valzer diventò un prodotto di consumo e per tutto il diciannovesimo secolo non ci furono compositori tanto grandi da disdegnare di contribuire a soddisfare la richiesta.

Sul piano strutturale la musica del Valzer ebbe una svolta importante grazie a Hummel che costruì una forma più complessa di componimento formato da tre elementi fissi: introduzione, Valzer vero e proprio, coda.

Il Valzer di Hummel era meglio articolato, con periodi (di 48 battiti) ben collegati fra loro. Forse senza volerlo, Hummel diede inizio alla fase della maturità del Valzer che diventò espressione artistica di alto livello. A partire dalle sue opere si attivarono in parallelo due percorsi musicali separati: il Valzer ballabile ed il Valzer colto, ovvero pura composizione.

Nell’ambito del ballabile coesistevano il Lento e l’Allegro. La composizione dell’orchestra era predeterminata dalla scelta del genere musicale. Per i brani ballabili era sufficiente un’orchestra ‘leggera’, quella che oggi chiameremmo orchestrina. Il filone del Valzer ballabile si sviluppò in modo particolare a Vienna dove ebbe interpreti illustri come i Lanner e gli Strauss.

Gli Strauss e il Valzer viennese

La famiglia Strauss divenne la regina del Valzer in tutta Europa, spingendo la propria fama sino in America. Attorno ai prolifici Strauss: Lanner e Liszt, Chopin, Czerny. Fu grazie a questi due musicisti padre e figlio che da genere disprezzato artisticamente, tanto che Mozart scrisse un libello dal titolo “Introduzione per comporre quanti Valzer si vuole per mezzo di due dadi, senza sapere nulla di musica o di composizione”, questo ballo ottenne stima e consensi.

Johann Strauss Senior (Vienna, 1804-1849), detto il “Padre del Valzer”, studiò violino ed armonia, suonò come orchestrale e si unì nel 1823 al quartetto Lanner, dove si distinse ben presto come eccelso violinista. In soli sei anni ebbe fama in tutta Europa con una sua orchestra personale. La musica di Lanner era di tipo diverso da quella di Strauss: era più lirica, mentre quella di Strauss era focosa, piena di brio, spettacolare; Strauss non dimenticava mai che stava componendo musica da ballo, anche quando l’ampliò creando il Valzer da concerto. Tra le sue composizioni più importanti vi sono Loreley-Rhein-Klange, il Cacilien Valzer, I cigni e la celeberrima Marcia di Radetzky. Nella sua ricca produzione asrtistica, oltre a Polke, Quadriglie, Marce e Galoppi, si contano più di 150 Valzer. Egli riuscì in tal modo a stabilizzare lo stile di questo ballo così popolare.

Se Johann Strauss Senior è stato il “Padre del Valzer” il figlio fu denominato il “Re del Valzer”. Infatti, a soli 19 anni esordì in pubblico come direttore d’orchestra in un noto albergo di Vienna. Nel 1849, dopo la morte del padre, assunse i suoi orchestrali  fondendoli con i propri, creando in tal modo una grande orchestra che si esibì con successo in Europa e in America. Come già accaduto ad Haydn, anche per lui la fama  internazionale arrivò a Parigi quando presentò per la prima volta l’ormai celeberrimo Sul bel Danubio blu. Fu tale l’entusiasmo suscitato dalla sua musica che automaticamente scoppiò anche in questa città la febbre per il nuovo ballo. Questo che risulta il più affascinante e famoso dei 170 Valzer da lui composti, divenne il simbolo stesso del Valzer. Da sottolineare, come lo stesso brano aveva avuto a Vienna una tiepida accoglienza, essendo questo un Valzer da concerto, difficile da ballare come tutte le solenni melodie caratterizzate da pause numerose e lunghe introduzioni. Sul bel Danubio blu invece non è solamente musica da ballo Con le introduzioni e le code elaborate, l’ispirazione melodica, l’orchestrazione delicatamente adattata, il ritmo raffinato e sottile, è un autentico contributo al grande repertorio musicale. Non stupisce che Brahms scrivesse di suo pugno sul ventaglio di Frau Strauss le prime battute di questa composizione e aggiungesse, firmando: «Ahimè, non è di Johannes Brahms ».

Strauss dimostrò con le sue opere (tra cui ricordiamo anche Storie del bosco viennese, Vita d’artista, Sangue viennese, nonché le operette Il carnevale di Roma, Una notte a Venezia e Lo zingaro barone) come un artista potesse muoversi con finezza in quello spazio intermedio fra l’arte e il consumo, inaugurando il periodo di massimo splendore e la definitiva affermazione del Valzer come ballo. Questi, da grande e raffinato artista qual era, si propose di adattare la musica del Valzer ai valori mondani del suo tempo. Con questo proposito  si allontanò sempre di più dalla dimensione classica di Beethoven o romantica di Weber e Schubert per creare una sintesi perfetta tra momento musicale e momento di danza.

Con l’avvento dell’Operetta, il Valzer del filone ‘ballabile’ sviluppò maggiormente i valori melodici più che artistici. Contemporaneamente, l’altro filone spiccava il volo verso valori ideali fino a sfociare nella lirica pura, attraverso la musica dotta di Berlioz (Damnation de Faust) e Gounod (Faust), Liszt (Mephisto), Tchaikovsky (La Bella Addormentata nel bosco), cui si devono aggiungere brani prettamente strumentali di Chopin, Brahms, Schmitt, Ravel e da ultimo Stravinskij.

Il Valzer in Italia

Anche nella vita musicale italiana di fine Ottocento (come nella Vienna dei Valzer e nella Parigi dei café-chantant) acquistarono sempre maggiore importanza alcuni generi “leggeri” o di “evasione”. Iniziava così  la stagione italiana dell’Operetta, tributaria di quella viennese per la fastosità dei Valzer, proposti nella penisola dalla Sonzogno Editrice che si era appropriata dei diritti per le Operette di Hervé, Lecocq e Offenbach.

Si cimentarono allora, con queste musiche, autori quali Verdi, Rossini e Puccini.

Il primo sfruttò questi ritmi nelle opere, come nel gioioso brindisi all’inizio della Traviata. Era andato invece disperso il suo Valzer in fa maggiore, una brillante opera giovanile di grande valore ritrovata da Nino Rota presso un antiquario romano e orchestrata per la colonna sonora del celebre film Il gattopardo di Luchino Visconti.

Rossini fu artefice di Valzer poco conosciuti, ma molto sofisticati; fra le composizioni minori di Puccini, di cui l’anno scorso abbiamo ricordato il centocinquantenario dalla nascita, sottolineiamo il Piccolo Valzer, scritto nel 1894. Da quella melodia sarebbe derivato il quartetto del III atto della Bohème, il sensuale assolo di Musetta Quando me n’vo.

Ricordiamo anche le opere di Leoncavallo che ci riportano all’elegante e delicata atmosfera salottiera del primo ‘900, mantenendo però una melodia molto coinvolgente. Emblematico risulta, tra le altre composizioni del musicista, il Valse mélancolique dove un triste episodio assume sfumature drammatiche sino al grandioso ed imponente finale. Abbiamo già ascoltato un’altra sua composizione: il Valse coquette, scritto come dedica a Madame Hélène Mayer Cohn; in cui riecheggiano sfumature proprie dell’elegante atmosfera dei salotti parigini.

Per sottolineare l’importanza e la popolarità che il Valzer aveva ben presto raggiunto nella belle-epoque italiana basti ricordare come una delle più belle composizioni di Giordano fosse stata commissionata nel 1907 dall’editore Hachette come colonna sonora della pubblicità dell’omonimo prufumo Violettes de Parme, un Valzer sentimentale piuttosto ampio, con venature di patetico che rimandano alla cultura francese.

Il Valzer nel mondo

Questo genere musicale, a seconda delle aree geografiche, fu interpretato o nella forma moderata o nella versione allegra.

In America venne elaborato nella forma moderata. A livello musicale si arrivò a dimezzare il numero di battute al minuto. Con un ritmo molto più lento cambiò di conseguenza la stessa tecnica del ballo. Furono inventate delle figure ad ampio raggio eseguibili con passi strisciati sul pavimento. Ne nacque un nuovo ballo che fu chiamato Boston (proprio dal nome della città americana dove ebbe la sua più grande affermazione). Verso il 1890 il Boston fu portato in Europa. In verità, qui non ebbe immediatamente un grandissimo successo, anche perché si era radicata l’abitudine a ballare il Valzer veloce (Viennese o tradizionale). Qui il Boston assunse degli aspetti esasperati, fino ad arrivare a passi figurati ed esitati. Attraverso l’introduzione di pause e rallentamenti, con l’obiettivo di imprimere un tocco artistico alla danza, nacque il Boston Figurato anche detto Hesitation.

In particolare, in Inghilterra il Valzer Viennese fu portato già nel secondo decennio del XIX secolo dai nobili che viaggiavano per l’Europa; ma per via della cultura puritana, non lo si poteva riproporre nella sua forma originale. Per questo motivo i maestri di ballo si ingegnarono in tutti i modi per renderlo compatibile con i costumi della loro società. Il ritmo fu quindi rallentato parecchio, in modo tale che le figure di coppia chiusa e l’esecuzione dei volteggi non avessero tecnicamente bisogno di uno stretto e permanente contatto dei danzatori. Dal 1830 a Londra si ballava un Valzer in due tempi che, nonostante la musica di 3/4, si articolava in due passi: un passo strisciato sul primo battito seguito da una esitazione sul secondo battito, concluso da uno chassè sul terzo battito. In tale contesto, l’Hesitation ricevette un’ottima accoglienza tanto che si giunse ad una perfetta sintesi fra la sua delicatezza spirituale e l’ispirazione poetica di fondo del Valzer, recependone la tecnica e le figure fondamentali nel Valzer Inglese che oggi conosciamo.

I seguaci di questo nuovo ballo furono moltissimi. Anche grazie a ciò, lo stile inglese trovò ulteriori conferme nel continente europeo ed ebbe facile gioco nella competizione con le impostazioni della danza di scuola francese.

Conclusioni

In sintesi si può affermare come da una volgare danza contadina si sia sviluppata una musica che in poco tempo, grazie a grandi compositori, divenne raffinata e colta, riuscendo a esprimere contemporaneamente l’arte, la moda e il commercio. A riprova di tutto ciò basti pensare come attraverso i decenni, il Valzer Viennese abbia mantenuto le sue caratteristiche peculiari e sia riuscito a sopravvivere non solo a due guerre mondiali, ma alle grandi rivoluzioni che nel corso del XX secolo si sono verificate nel mondo. E ancora non è stato dimenticato semmai è ripreso con tutto il suo vigore ridiventando di moda.

Articolo di Bruno Bertucci

Martedì 10 dicembre alle 20.30 nell’Aula Magna della Sapienza si terrà il concerto della European Community Baroque Orchestra per la stagione della IUC (Istituzione Universitaria dei Concerti).

Il titolo trilingue “Barock meets Baroque” significa che saranno messi a  confronto il barocco declinato in tedesco da Johann Sebastian Bach e quello alla francese di Jean-Philippe Rameau e Jean-Marie Leclair, riuniti sotto il segno dell’Europa, perché ad eseguirli è la European Union Baroque Orchestra, che mette insieme il meglio dei giovani musicisti dei paesi dell’unione specializzati nella musica barocca. Un ritorno molto atteso dopo il grande successo dello scorso anno. Sul podio il direttore artistico dell’orchestra, il danese Lars Ulrik Mortensen. Partecipano i solisti Bojan Čičić (violino) e Anne Freitag (flauto). Si ascolteranno dunque musiche e musicisti che provengono dai quattro angoli dell’Europa.

Sono in programma due delle quattro Suites per orchestra di Bach, precisamente la prima e la seconda. L’epoca della loro composizione è collocabile nei primi anni Venti del Settecento, cioè agli ultimi anni trascorsi dal compositore a Köthen o ai primi a Lipsia: è musica profana e galante, lontana dallo strereotipo del  Bach severo e luterano. Qui l’incontro tra Barock e Baroque è strettissimo, perché in questi lavori Bach prese come modello Jean-Baptiste Lully, che in realtà era un italiano (il suo vero nome era Giovanni Battista Lulli) emigrato in Francia e divenuto il musicista favorito di Luigi XIV.

Nella Francia del Re Sole visse anche Jen-Philippe Rameau, il più grande musicista francese del Settecento, qui rappresentato da una Suite tratta dalla “pastorale eroica” Acanthe et Céphise rappresentata Versailles nel 1751, che mette in scena  personaggi della mitologia classica, rivolgendo però l’attenzione soprattutto a un intrigo amoroso trasportato in atmosfere arcadiche.

Se Rameau fu considerato il più puro esponente dello stile francese, gli intrecci fra le diverse scuole musicali diventano intricati con Jean-Marie Leclair, la cui formazione si svolse in gran parte in Italia. Oggi si sta riscoprendo il vero valore di questo musicista, finora ricordato più che altro per la sua macabra fine: fu assassinato nella sua casa parigina, in cui viveva in completo isolamento, e ritrovato soltanto due mesi dopo, con il suo violino ancora stretto tra le mani. Di Leclair sarà eseguito il Concerto per flauto e orchestra in do maggiore op. 7 n. 3.

La European Union Baroque Orchestra (EUBO) è stata fondata nel 1985, come maggiore iniziativa dell’Anno Europeo della Musica e sostenuta generosamente dalla Commissione Europea. L’EUBO è un’orchestra di giovani, che tutti gli anni si rinnova completamente. Infatti cento giovani musicisti provenienti da tutti i paesi dell’Unione Europea sono scelti ogni anno per prendere parte alle selezioni, da cui escono i venticinque strumentisti, dell’età media di 24 anni, che trascorreranno sei mesi nell’EUBO, prima studiando e poi compiendo tournées attraverso tutta l’Europa, insieme ai maggiori specialisti della musica barocca, come Lars Ulrik Mortensen, Ton Koopman, Andrew Manze, Alfredo Bernardini, Chiara Banchini, Roy Goodman, Enrico Onofri, Paul Goodwin, Rachel Podger e Marc Minkowski. Questo progetto ha dato e continua a dare ottimi frutti e oggi non vi è famoso ensemble di musica barocca che non annoveri tra i suoi musicisti almeno un ex componente dell’EUBO. Quest’orchestra dunque non è solo una valida esperienza di formazione ma anche un prezioso serbatoio di giovani musicisti, cui attingono i migliori ensemble europei per mantenere alto il loro standard esecutivo.

Articolo di Mauro Mariani

“Dopo aver distrutto, costruito, sperimentato, discusso, condiviso e rivoltato ogni atomo dei Roccaforte per più di un anno, Sintesi è la rappresentazione tangibile di ciò che siamo oggi e, soprattutto, della nostra musica”. Attivi dal 2001 (dopo un periodo di assestamento inaugurato nel 1993), a dodici anni di distanza dalla loro genesi i Roccaforte pubblicano il quarto album Sintesi: una sorta di “antologia di inediti” che ripercorre la lunga storia del gruppo piemontese con la rivisitazione dei brani più rappresentativi tratti dai tre album finora incisi. Dal metal al pop-rock, dal progressive al funk, dall’alternative alla canzone d’autore, le anime dei Roccaforte risultano meglio amalgamate che in passato e rendono Sintesi il miglior biglietto da visita per la band alessandrina.

I Roccaforte hanno fotografato questo nuovo percorso con tre Ep, una sorta di percorso preparatorio a Sintesi, come dichiara la band: “Il primo Ep Origine, dalla copertina bianca, simboleggia l’inizio: siamo entrati in studio dopo un mese dall’ultimo cambio di line-up alla batteria. Metamorfosi rappresenta, come il viola della copertina, la trasformazione veloce che dall’inizio ha modificato il nostro sound, il nostro modo di scrivere e di suonare. Evoluzione – colore giallo – è quello che vorremmo raggiungere dopo un lungo percorso iniziato tanti anni fa con un’impronta tendenzialmente pop e che si è evoluto nel tempo, crescendo e maturando, verso una venatura più progressive rock”. Sintesi è la summa di questo cammino, un album che riassume le svariate influenze che caratterizzano la band, fa il punto della situazione e al tempo stesso rilancia una nuova partenza per il quintetto.

Brani risalenti agli anni ’90 come Vetrine e Giubbotto in pelle nera, pezzi importanti per i premi ricevuti come 20 mq di libertà, ma anche inediti come Avatar: Sintesi passa in rassegna i momenti più significativi della storia dei Roccaforte, caratterizzata in modo particolare da una grande esperienza sul palco, con più di 300 concerti all’attivo dal 2005 ad oggi che li rendono unici nel loro genere. A colpire ancora una volta la varietà stilistica: “Una critica che ci viene fatta è che la nostra musica non è collocabile in un genere ben definito. Ma è quello che vogliamo. Infatti ci definiamo eclettici. Ognuno di noi arriva da esperienze e gusti musicali diversi e abbiamo voluto mantenere queste caratteristiche. Il fatto che non possiamo essere definiti vuol dire che il nostro lavoro è riuscito con successo”.

I Roccaforte si formano ad Alessandria nel 1993: fino al 2000, tra varie pause e ripartenze, la giovane band lavora ai propri brani e alterna diversi membri. E’ nel 2001 che il gruppo trova finalmente la sua stabilità e nasce ufficialmente. Il nome è ispirato al luogo in cui era situata la prima sala prove: “Fortezza Rocca Civalieri”, un casolare circondato dalle amate colline del Monferrato e così diroccato che un filo di nylon, teso tra due chiodi a cavallo di una crepa che da terra raggiungeva il soffitto, faceva da allarme per fuggire immediatamente all’esterno in caso di pericolo.

Fin da subito l’idea del gruppo è stata quella di evitare cover puntando a materiale originale: la creazione di brani inediti in lingua italiana, la ricerca accurata delle sonorità e la fusione dei gusti musicali di ognuno dei cinque membri sono i principali ingredienti della band. “La nostra musica non rientra in un genere definito – affermano i Roccaforte – ma piuttosto in una forma di eclettismo in cui le influenze che vanno dal pop-rock al progressive si fondono insieme, armonizzate in una nuova sintesi”.

Nel 2005 il gruppo si esibisce per la prima volta dal vivo inaugurando una carriera ricca di concerti, anche di supporto a nomi famosi come i Linea 77; nello stesso periodo esce il disco d’esordio Parole mai dette. Nel 2008 arriva il secondo disco Per volontà del re, uscito dopo la conquista del terzo posto al XIX Rock Targato Italia. Nel maggio dello stesso anno la band festeggia i suoi primi 100 concerti. Nel 2010 esce il minialbum Frammenti di storia, nel 2011 i Roccaforte si fanno notare con un buon piazzamento a Sanremo Rock e alla fine dell’anno firmano un contratto con l’etichetta Keep Hold.

E’ proprio questa label che pubblica Sintesi nell’estate del 2013, dopo una prestigiosa partecipazione al FIM (Fiera Internazionale della Musica): l’album è una sorta di “antologia di inediti”, una rivisitazione dei principali brani della band piemontese, preceduta dai tre ep Origine, Metamorfosi ed Evoluzione.

“Riuscire ad emozionare il pubblico e trovare persone che apprezzino la nostra musica è ciò che abbiamo sempre cercato… e che non smetteremo mai di cercare”.

Articolo di Donato Zoppo