Modigliani and the Montparnasse Adventure

On 22 January 1920 Amedeo Modigliani was taken, unconscious, to the Hôpital de la Charité in Paris and died there two days later at the age of only 36, struck down by the then incurable disease of tubercular meningitis that he had miraculously managed to survive twenty years earlier. On that day, Paris and the world lost one of the greatest artists of all time, a man who, with his instantly recognisable style, had captured the likenesses of friends, lovers and collectors, and the “heroic” faces of Paris’s night prowlers.

In the Montparnasse and Montmartre neighbourhoods Modigliani forged friendships with Guillaume Apollinaire, Chaïm Soutine, Paul Guillaume, Blaise Cendrars, Andrè Derain and Maurice Utrillo and he was admired by all of them for his culture, his charm and his charisma. He enchanted them with his genius and his intransigent approach to art, with his good looks and his passionate Mediterranean temperament. But for all that he was a prisoner to alcohol and drugs, he worked himself to the bone and defied death on a daily basis, seeking refuge from his tragic fate in his art.

One of the great rivals of Modì, as he was known in Paris, was Pablo Picasso whom he both admired and loathed. Picasso, for his part, was fascinated by the young Italian artist and by his work, which reflected the full beauty of Renaissance art yet expressed in a thoroughly modern style.

Despite living life to the full, despite his countless lovers who included the poetesses Anna Akhmatova and Beatrice Hastings, despite his energy and his youth, Modigliani could not escape death, a tragedy that overwhelmed the whole of the Paris Avant-garde world. And to cap it all, his young lover Jeanne Hébuterne, herself a talented artist loved by all, chose to take her own life in order be with him in death despite the fact that she was expecting his second child. The upshot of all this was the birth of an instant myth that turned Modigliani into a creature of legend, a fleeting and faintly scandalous figure embodying a Bohemian world, who imbued his portraits and his nudes with a sense of his own outward vitality tempered with a hint of tedium and a deeply melancholic fatalism.

Modigliani and the Montparnasse Adventure. Masterpieces from the Netter and Alexandre Collections” (Museo della Città di Livorno, to 16 February 2020), an exhibition organised by the Comune di Livorno in collaboration with the Istituto Restellini in Paris and with the participation of the Fondazione Livorno, is curated by Marc Restellini in conjunction with Sergio Risaliti, offering visitors a unique opportunity to admire 14 paintings and 12 drawings by Modigliani only rarely shown in public.  

To mark the 100th anniversary of the artist’s death, the rooms of the Museo della Città will exceptionally be hosting the paintings and drawings that belonged to two of the most important collectors to have accompanied and supported the artist in life: Paul Alexandre first of all, who stood at the heart of a link between Paris and Livorno, who encouraged Modigliani on his arrival in Paris and who helped him both with his sculptural project The Caryatids and when he returned to Livorno in 1909 and in 1913. But also, indeed above all, Jonas Netter, an expert collector with an extraordinary eye who snapped up the young artist’s finest masterpieces. The works on display in the exhibition will include La Fillette en Bleu, a large portrait painted in 1918, depicting a girl aged between eight and ten whose pinafore is the same delicate blue as the wall behind her, in a setting imbued with sweetness and innocence; a portrait, painted in 1916, of Chaïm Soutine, his close friend during the toughest years in Paris, seated with his hands on his knees, hinting at the close bond between the two and at Soutine’s affection and respect for Modigliani; a portrait of Elvire au Col Blanc (Elvire à la Collerette) painted between 1918 and ’19 depicting the young Elvire, a Paris girl whom Modigliani with his hot Mediterranean blood met and admired for her dazzling beauty and portrayed at least four times, twice clothed and twice in the nude; and a portrait of La Jeune Fille Rousse (Jeanne Hébuterne) dated 1919, depicting the beautiful Jeanne Hébuterne in a three-quarter pose as she turns to face the observer with her deep blue eyes, her gaze so natural and elegant it is almost hypnotic. The drawings on display include several of his Caryatids, including the Cariatide (bleue) dated 1913 from the second cycle which, unlike the first (comprising studies for sculptures inspired by primitive art) is not a preparatory sketch at all but a work in its own right where the female figure is rounder and more voluptuous, with a more nuanced and colorful silhouette.

Complementing Modigliani‘s work, the exhibition will also be hosting about 100 other masterpieces representative of the grand École de Paris collected by Jonas Netter from 1915 onwards. They include paintings by Chaïm Soutine such as L’Escalier Rouge à Cagnes, La Folle, L’Homme au Chapeau and Autoportrait au Rideau painted between 1917 and 1920, which perfectly capture the artist’s style and his penchant for depicting reality in a timeless fashion as the expression of an inner tragedy. In his Self-Portrait, in particular, Soutine puts himself to the test by portraying himself like the great artists of the past whom he so admired, in an almost anonymous pose, his gaze unfrowning yet concerned, his hands out of the picture, his face with its irregular planes emerging from a green scarf; also works by Maurice Utrillo, for instance Place de l’Église à Montmagny, Rue Marcadet à Paris and Paysage de Corse, where all space is serene, calm and silent, and where we see no hint of the occasions on which he was hospitalised in the psychiatric ward after his drink problem drove him more than once to attempt to commit suicide; works by Suzanne Valadon, for example Trois Nus à la Campagne depicting naked women in the open air, a theme much loved by Renoir and Cézanne as well as by Andrè Derain who, in his Bagneuses, produced a painting which many consider to be one of the mainstays of modern art; or works such as St. Tropez and Portrait d’Homme (Jonas Netter) by Moïse Kisling, a Polish artist who also produced one of the most emblematic portraits of the collector Jonas Netter himself.

Livorno has been waiting for this exhibition for a whole century.

Ir was in this city that Amedeo trained as an artist by studying the Macchiaioli and it was here that he fell seriously ill for the first time, miraculously managing to recover before travelling to Paris, the nerve centre of the art scene (and of the art market) where he was to find an environment that allowed him to express his outstanding talent in full. Immersing himself in the artistic Avant-garde of the day in the Ville Lumière, Amedeo found there the energy he needed to become invincible as an artist, as a demiurge and as a repository of truth and knowledge on a par with the great masters of his own time. He almost succeeded in concealing his sickness, his addiction and his inexorable fate even from himself. His culture, his erudition, his talent, his charm and his charisma did the rest. Yet Modigliani was never to sever his ties with Livorno, returning to his native city several times in the course of his tragically short life.

According to the curator, Marc Restellini: “The exhibition is a return home. I am happy with the occasion and I thank and congratulate the City Council as a whole for the courage and rapidity of their decisions. There could have been no better decision than to bring the Modigliani exhibition to his native city on the 100th anniversary of his death. It was here in Livorno that Amedeo Modigliani first developed his creative talent and his Jewish spiritualism, and I hope that here in Livorno, history rather than simply the market can benefit from this marvellous opportunity to accord to him the place that is rightfully his in the history of Western art”.

Luca Salvetti, the Mayor of Livorno, also considers the exhibition to be a unique and unrepeatable occasion: “This is an event of exceptional value for Livorno. Amedeo Modigliani returns to his native city, the city where he was born and where he spent his formative years as an artist. He wished to do so in that far off year of 1920, the year when his life was snuffed out in such an untimely manner. He wished to return to live in Livorno with his Jeanne, as he told his painter friends, and many people in Paris were aware of his wish. But death had a different fate in store for him. 100 years after his death, we have succeeded with immense courage in bringing Dedo’s soul back to his native city. That soul is embodied in his works, his finest works that will be hosted in the rooms of the Museo della Città for four long months”.

And as Simone Lenzi, the Councillor for Cultural Affairs with the Comune di Livorno, put it: “This exhibition is of historic value for the city of Livorno. Nor does my use of that adjective sound excessive because that is how history works: it sets us deadlines at which we have to find the courage to show up. The 100th anniversary of Modigliani’s death is one such deadline; or rather, it is the deadline which, at long last, we can no longer afford to miss. So the significance of this exhibition lies in its marking an important celebration, but there is more to it than that. It serves to welcome back Amedeo Modigliani, or “Dedo” as he was known locally, to the city where he was born and where he grew up. At the same time, it serves to put paid to the age-old misunderstanding sparked by the fallout from cheap romanticism and phony legend that has distorted beyond recognition the deep bond between Livorno and its son who was fated to become the 20th century’s most extraordinary painter. We believe that the city that remained in the eyes and heart of Modigliani was made up of a specific light, of certain street views, of childhood friends and classmates, of a unique Sephardic Jewish spirituality and of vibrant family memories: in fact of so many things which, starting with this exhibition, we are going to have to recount as part and parcel of a single story that continues to reverberate in our own day. In the meantime, I feel it is worth recalling that in the very same years in which Modigliani was making his indelible mark on the history of painting, the poet Rainer Maria Rilke described infancy with astonishing accuracy as the time when “we were full to the brim with figures”, his way of telling us that those figures are the things that stay with us the longest, for the rest of our lives. So whether we continue to live in a provincial city – albeit a city of exceptionally cosmopolitan modernity from the very day it was founded – or we leave it to take the world by storm from an artist’s studio in Montparnasse, that panoply of images with which we were born and grew up is the fuel that shapes our gaze for ever. Today, that gaze that was forged in this city has come back home”.

The exhibition catalogue edited by Marc Restellini is published by Sillabe.


Salvatore La Spina




Il tempo di Giacometti da Chagall a Kandinsky a Verona

Briani, Goldin e Sboarina

A Verona, nei suggestivi spazi della Gran Guardia, è aperta l’esposizione “Il tempo di Giacometti da Chagall a Kandinsky. Capolavori dalla Fondazione Maeght”. La mostra, in programma fino al 5 aprile 2020, presenta al pubblico una vera e propria monografica dedicata ad Alberto Giacometti, con oltre una settantina di opere di sue esposte, assieme ai capolavori di artisti del calibro di Kandinsky, Braque, Chagall e Miró, con un’ulteriore ventina di dipinti famosi in tutto il mondo.

A Verona si ritrovano così raccolte oltre un centinaio di opere, tra sculture, dipinti e disegni, espressione del più alto Novecento internazionale. Per la prima volta insieme, i capolavori in bronzo e i disegni del più grande scultore del ventesimo secolo e i più bei dipinti realizzati nella Parigi a cavallo tra le due guerre.

La mostra, organizzata da Linea d’ombra con il Comune di Verona e la Fondazione Marguerite e Aimé Maeght, è curata da Marco Goldin. Main sponsor il Gruppo Baccini.

“Con questa mostra – ha sottolineato il sindaco Federico Sboarina – tornano nella nostra città i grandi eventi espositivi. Un appuntamento dallo straordinario valore artistico, che si aggiunge alle esposizioni dei nostri musei civici e all’ampio calendario di proposte per tutto il periodo natalizio. Iniziative ed eventi diversi che mirano a far crescere l’attrattiva della città in un periodo dell’anno che non è sempre stato di forte interesse per il turismo. Oggi, anche grazie all’ampia proposta offerta, siamo in grado di attrarre un sempre maggior flusso di visitatori qualificati e colti, vista l’alta qualità artistica esposta. Il nostro obiettivo è di garantire sempre un’offerta culturale di alto livello, sia per quanto riguarda l’arte che lo spettacolo. Rivolgo quindi un ringraziamento al suo curatore Goldin, che torna a Verona creando un allestimento davvero suggestivo ed interessante”.

Ha dichiarato l’assessore alla Cultura Francesca Briani: “alcuni dei più importanti capolavori di Giacometti saranno visibili al pubblico insieme alle opere di altri straordinari artisti del Novecento. Visibili oltre settanta opere dello scultore, quasi una monografia sull’artista che ha dedicato la sua vita alla realizzazione di capolavori straordinari. Siamo onorati di poter offrire ai nostri cittadini e ai numerosi turisti che verranno a Verona un’esposizione di così alto livello. Un ringraziamento al curatore Goldin che ha scelto la nostra città allestendo una mostra non facile, ma di forte impatto e di grande bellezza”.

“In esposizione non solo le opere dell’artista Giacometti – ha spiegato il curatore Goldin – ma una ricostruzione dell’ambiente parigino nel quale lui ha vissuto, da quando è arrivato nella capitale francese nel gennaio 1922 fino al momento in cui l’ha lasciata, per andare a morire in Svizzera, la sua terra natale. Quindi, al di là di oltre 70 opere di Giacometti, ci sono anche molti capolavori di Kandinsky, Mirò, Chagall, che sono stati amici di Giacometti e che, soprattutto, hanno gravitato attorno alla galleria Maeght, oggi Fondazione, che ha inviato a Verona tutte le opere esposte in questa mostra”.

“Abbiamo scelto di assumerci un impegno di grande rilevanza nei confronti dell’Amministrazione, di un’impresa e del pubblico – ha dichiarato la presidente del Gruppo Baccini Elisa Baccini –. Sono molto contenta di consegnare come sponsor questa mostra a questa città e di dare questo investimento di famiglia al nostro territorio e alla comunità”.

La mostra rievoca una delle più straordinarie avventure culturali in Europa dalla metà del secolo scorso in poi, quella di Aimé e Marguerite Maeght, che prima dell’inizio della Seconda guerra mondiale fondano a Cannes una loro galleria. Nell’ottobre 1945 aprirà la galleria parigina, dove due anni dopo verrà presentata, con un successo senza precedenti, l’Esposizione internazionale del Surrealismo, in collaborazione con Duchamp e Breton. Nel 1964 poi viene inaugurata a Saint-Paul-de-Vence la Fondazione Maeght, con un insieme architettonico concepito per presentare l’arte moderna e contemporanea in tutte le sue forme. La Fondazione possiede oggi una delle più importanti collezioni in Europa di dipinti, disegni, sculture e opere grafiche del XX secolo, con nomi di grande importanza che sono stati legati alla famiglia Maeght per decenni, Giacometti in primis.


Roberto Bolis (anche per la fotografia)

Il quartetto Emerson in musiche di Beethoven, Dvorak e Bartok alla IUC

Martedì 19 novembre 2019 alle 20.30 per la stagione della IUC – Istituzione Universitaria dei Concerti torna nell’Aula Magna della Sapienza (P.le Aldo Moro 5) torna a Roma il Quartetto Emerson, uno degli ensemble da camera di maggior prestigio degli ultimi decenni, vincitore di nove Grammy, di tre Gramophone Awards, del Richard J. Bogomolny National Service Award (la più alta onorificenza statunitense nell’ambito della musica da camera) e del Premio Avery Fisher, nonché premiato come “Ensemble of the Year” da Musical America e insignito di vari riconoscimenti internazionali. Nel 2016 la Universal ha dedicato all’Emerson per il 40° anniversario un box di ben 52 CD con tutte le sue registrazioni effettuate per una delle case discografiche più prestigiose in ambito classico, la Deutsche Grammophon.

Formatosi a New York, l’Emerson è quartetto in residence dello Smithsonian Institution di Washington D.C. e i suoi quattro componenti insegnano alla Stony Brook University: è dunque l’espressione della raffinata cultura delle più prestigiose istituzioni e università della east coast americana. I membri del quartetto sono i violinisti Eugene Drucker e Philip Setzer, il violista Lawrence Dutton e il violoncellista Paul Watkins, subentrato nel 2013. Un loro tratto distintivo è che i due violinisti si alternano nella parte di primo e secondo violino.

Suoneranno musiche di Dvorak, Bartok e Beethoven. Di Antonin Dvorak il Quartetto n. 12 op. 96 “Americano”: è il più bello e più noto dei quartetti del compositore ceco ed ha una stretta relazione col paese da cui proviene l’Emerson, dato che fu scritto in America negli anni in cui Dvorak dirigeva il Conservatorio di New York. Il compositore amava moltissimo la musica popolare, non solo quella della sua terra ma tutta la musica popolare, però qui non cita letteralmente temi tradizionalii americani ma piuttosto evoca alcune caratteristiche di quella musica o – per meglio dire – di quelle musiche, quella degli immigrati europei, quella degli afroamericani e quella dei nativi.

Anche l’ungherese Bela Bartok era un attento studioso della musica popolare, ma nel suo Quartetto n. 5 del 1934 i riferimenti al folclore, seppure presenti, passano in secondo ordine rispetto alle, sonorità taglienti e alle furiose ebbrezze ritmiche di questo brano del periodo dell’espressionismo.

Infine di Ludwig van Beethoven il Quartetto op. 59 n. 2, che fa parte dei tre dedicati al conte Rasumowsky, ambasciatore di Russia a Vienna e grande appassionato del quartetto, al punto da fondarne uno egli stesso, in cui suonava la parte del secondo violino. Nel 1806 commissionò tre Quartetti a Beethoven, ponendo come condizione che usasse alcuni temi popolari russi: dunque pure qui c’è un aggancio con la musica popolare, con la citazione di una famosa melodia russa nel terzo movimento. Contemporaneo della Sinfonia “Eroica” e della Sonata “Appassionata”, questo Quartetto si collega a quei due capolavori per l’ampiezza e l’audacia della forma, per i toni appassionati, per la continua tensione drammatica, appena interrotta da brevi oasi contemplative.

Mauro Mariani (anche per la fotografia)

Pat Metheny in concerto con l’Orchestra del Teatro Carlo Felice

Pat Metheny, uno dei più grandi chitarristi viventi, è l’ospite d’eccezione del prossimo concerto della Stagione Sinfonica del Teatro Carlo Felice, martedì 19 novembre alle ore 21. Una serata unica nel suo genere, che fonde il sound tipico di un trio jazz (chitarra, contrabbasso e batteria) con le grandi sonorità dell’orchestra sinfonica. Metheny e due dei suoi musicisti di fiducia, il contrabbassista Darek Oleszkiewicz e il batterista Jonathan Barber, si esibiranno infatti insieme all’Orchestra del Teatro Carlo Felice diretta da Andrea Battistoni, giovane direttore e compositore la cui passione per il repertorio lirico-sinfonico tradizionale non gli impedisce di amare il jazz e il rock. Il partner ideale, insomma, per un concerto come questo, all’insegna dello sconfinamento tra i generi musicali.

Nato nel 1954 a Lee’s Summit, piccola città nella cintura urbana di Kansas City, Metheny ha incontrato la musica, di casa in famiglia, a otto anni, quando ha iniziato lo studio della tromba. Quattro anni dopo, l’incontro decisivo con la chitarra elettrica, di cui diventerà un grande virtuoso, rimanendo sempre attento, però, a unire la sua tecnica stupefacente con la ricerca di nuove sonorità. Metheny è stato uno dei primi a intuire le potenzialità dell’elettrificazione e delle nuove tecnologie applicate alla chitarra e alla musica in generale, scoprendo effetti e sonorità che hanno fatto scuola. Nel jazz ha suonato con mostri sacri come Gury Burton, Herbie Hancock, Ornette Coleman, Charlie Haden e ha sperimentato tutti i generi, dallo swing al free. Nel 2013 Metheny è stato inserito nella Hall of Fame, in cui, nella categoria chitarristi jazz, figurano, dal 1952 a oggi, solo altri tre chitarristi: Charlie Christian, Django Reinhardt e Wes Montgomery. Nel 2018 è stato insignito del NEA Jazz Master, il più alto riconoscimento degli Stati Uniti per un musicista jazz.

Il concerto al Teatro Carlo Felice di Genova non è il primo di Metheny con un’orchestra classica, ma è il primo inserito all’interno della stagione sinfonica di un grande teatro. Particolarità che aumenta l’attesa per la serata. Il programma, intitolato Missouri Skies and more, prevede brani notissimi di Metheny, in gran parte tratti dal disco Secret Story del 1992, ripensati dallo stesso chitarrista-compositore per trio e orchestra sinfonica.

Andrea Battistoni

Il concerto sarà preceduto, alle ore 19:00 in Sala Paganini, da un’introduzione del Maestro Battistoni riservata agli spettatori del concerto, a cura dell’Associazione Teatro Carlo Felice.

Programma (tutti brani di Pat Metheny, tranne ove diversamente indicato)

Our final hour

Rain River

Always and Forever

Precious Jewel (Roy Acuff)

A Map of the World/The Moon is a Harsh Mistress (Jimmy Webb)

Last Train Home

Farmer’s Trust

The Calling

Tell Her You Saw Me

Interval Waltz

Love may take a While

Song for Bilbao

Living is Easy with Eyes Closed/Make Peace

First Song (Charlie Haden)


Massimo Pastorelli (anche per la fotografia)


Acceso a Verona il grande albero di Natale Bauli

Il sindaco Federico Sboarina, con l’assessore alle Attività economiche Nicolò Zavarise, e Carlo Bauli con la figlia Margherita hanno acceso il grande albero di Natale di Porta Nuova, a Verona. Un momento simbolico che dà inizio ufficialmente al periodo della festività natalizie nella città scaligera.

Il grande abete illuminato è un omaggio che, ormai da dieci anni, la famiglia Bauli fa alla città. Rimarrà acceso, assieme a quelli più piccoli che addobbano piazze e scorci di Verona, fino a dopo l’Epifania.

“Con l’accensione di questo grande albero all’ingresso della città – ha detto il sindaco Sboarina – per Verona comincia il periodo delle feste. Un grande ringraziamento va alla famiglia Bauli che, da dieci anni, contribuisce a rendere più bella e luminosa la città. Questo è il primo di una serie di appuntamenti che animeranno Verona durante tutto il mese di dicembre. Domani, con l’inaugurazione dei mercatini e della mostra dei presepi, gli eventi di Natale entreranno nel vivo”.


Roberto Bolis (anche per la fotografia)

L’intelligenza delle macchine, dialogo a Palazzo Farnese di Roma

Potranno un giorno delle macchine intelligenti controllare gli esseri umani? Utilizzeranno i dati prodotti per manipolarli? Queste domande, inquietudini espresse nei romanzi di fantascienze, sono oggi sempre più attuali e spunto di una riflessione profonda se si guarda ai progressi fatti in campo tecnologico. Grazie a programmi sempre più evoluti, macchine intelligenti sono capaci di imparare da sole, attraverso l’analisi dell’enorme quantità di dati che produciamo quotidianamente.

Le intelligenze artificiali possono riconoscere immagini e suoni, orientare un veicolo, identificare un rischio. Dobbiamo preoccuparci di queste loro capacità e porre dei freni al loro sviluppo? O considerarle come strumenti per migliorare la nostra qualità di vita alla pari degli altri progressi scientifici e tecnologici?

A tali interrogativi cercheranno di rispondere lunedì 18 novembre alle ore 18:30, nell’ambito dei “Dialoghi del Farnese” studiosi che, nei loro lavori, si sono interessati a questa nuova sfida dell’intelligenza artificiale. L’iniziativa fa parte del ciclo di incontri MONDO MACCHINA MONDO VIVENTE che l’Ambasciata di Francia e l’Institut français Italia ha organizzato fino a dicembre in molte città italiane con ospiti di rilievo per approfondire il dialogo tra Francia e Italia sulle sfide del futuro, tra ingegneria, etica e società, il tutto a partire dalla figura ingegneristica di Leonardo Da Vinci di cui ricorre quest’anno il 500esimo anniversario dalla morte. Alessandra Sciutti è bio-ingegnere presso l’Istituto Italiano di Tecnologia – Center for Human Technologies di Genova. Luisa Damiano è professoressa associata di Filosofia della scienza presso l’Università degli Studi di Messina. Si occupa principalmente di filosofia della mente e delle scienze cognitive, filosofia delle scienze e delle tecnologie emergenti ed epistemologia delle scienze dell’artificiale. Nel 2016, ha pubblicato insieme a Paul Dumouchel Vivre avec les robots. Essai sur l’empathie artificielle, Seuil, tradotto nel 2019 da Raffaello Cortina Editore sotto il titolo Vivere con i robot. Saggio sull’empatia artificiale.

Jean-Gabriel Ganascia è Presidente del Comitato Etico del CNRS. Informatico specializzato in intelligenza artificiale, è membro dell’Institut universitaire de France e insegna all’Université Pierre et Marie Curie (UPMC) dove dirige il team Acasa (agenti cognitivi e apprendimento simbolico automatico) del laboratorio informatico LIP6. La sua ricerca include l’apprendimento automatico, il lato letterario delle scienze umane digitali e l’etica computazionale. È membro della Commission
de réflexion sur l’Ethique de la Recherche en sciences et technologies du Numérique d’Allistene.

Moderatore: Arcangelo Rociola, giornalista Agi

Lunedì 18 novembre, ore 18.30, Palazzo Farnese (Ambasciata di Francia), Piazza Farnese, 67 – Roma


Elisabetta Castiglioni (anche per la fotografia)

‘La Liberazione Spontanea’ presentato a Ferrara

Raccoglie gli ‘Insegnamenti di Padmasambhava sui sei bardo’ il libro dal titolo ‘La liberazione spontanea’ tradotto da Patrizia Baldieri che lunedì 18 novembre 2019 alle 17 sarà presentato dalla stessa traduttrice nella sala Agnelli della biblioteca comunale Ariostea (via delle Scienze 17, Ferrara). L’incontro sarà introdotto da Marcello Girone Daloli.

Padmasambhava fu un maestro tantrico di elevate realizzazioni, vissuto nell’ottavo secolo. In Tibet egli nascose molti preziosi insegnamenti da rivelare alle generazioni future solo quando fosse giunto il tempo giusto per la loro comprensione. Questa tradizione del tesoro nascosto o terma è una peculiarità degli insegnamenti della scuola Nyingma. Il Libro tibetano dei morti è uno di questi terma di Padmasambhava. Arriva ora nella traduzione italiana un altro terma che riguarda non solo il bardo della morte ma tutti i bardo o fasi transizionali della coscienza. La straordinarietà del testo è di mostrare come ognuna di queste fasi sia un’occasione di risveglio spirituale.

Patrizia Baldieri è un’analista junghiana impegnata da anni a studiare il confronto e la possibile integrazione tra i modelli della psicologia occidentale e gli insegnamenti del Dharma. È membro del Cipa e della Laap. Svolge attività didattiche, di supervisione e docenza nella Scuola di specializzazione in psicoterapia. Ha portato il suo contributo su Dharma e psicoterapia in convegni, seminari e conferenze. Allieva di Corrado Pensa e Alan Wallace e di alcuni Maestri tibetani, ha curato la traduzione italiana di un terma di Padmasambhava, considerato un gioiello della letteratura tibetana: La liberazione spontanea, insegnamenti sui sei bardo. Altre traduzioni di insegnamenti sono in via di pubblicazione.


Alessandro Zangara (anche per l’immagine)


Diritto e politica fra XI e XII secolo a Bologna

Il 21 e il 22 novembre si terrà a Bologna, presso l’Aula Giorgio Prodi del Dipartimento di Storia Culture Civiltà (piazza San Giovanni in Monte, 2), il Convegno Internazionale di Studi “DIRITTO E POLITICA FRA XI E XII SECOLO. IRNERIO E L’EUROPA” a cura del Dipartimento di Storia Culture Civiltà e ISTUB, Istituto per la Storia dell’Università di Bologna.

Una due giorni che si caratterizza per un taglio interdisciplinare e che coinvolge medievisti e storici del diritto, fra i quali Kenneth Pennington, Luca Lo Schiavo, Nicolangelo D’Acunto, Roberto Lambertini, Sara Menzinger, Orazio Condorelli, Mario Conetti e tanti altri.



Le musiche che risuonavano nella Cappella Sistina rivivono con The Tallis Scholars

The Tallis Scholars, foto di Nick Rutter

La Cappella Sistina risplendeva non soltanto per gli affreschi dei più grandi pittori ma anche per le composizioni dei più grandi musicisti dell’epoca, che saranno i protagonisti del concerto dei Tallis Scholars diretti da Peter Phillips, sabato 16 novembre 2019 alle 17.30 nell’Aula Magna della Sapienza (Piazzale Aldo Moro 5, Roma) per la stagione della IUC – Istituzione Universitaria dei Concerti.

La polifonia cinquecentesca è uno dei culmini della musica di tutti i tempi, sia nel campo profano – a cui la IUC dedica in questa e nella prossima stagione il ciclo dei Madrigali di Gesualdo da Venosa – sia nel campo sacro, a cui è dedicato questo concerto, che offre una straordinaria panoramica sui maggiori compoasitori di musica da chiesa del tempo, che venivano convocati a Roma dall’Europa intera per fornire la musica alle funzioni celebrate nella Cappella Sistina dal papa in persona.

The Tallis Scholars, foto di Nick Rutter

The Tallis Scholars sono stati fondati nel 1973 dal loro direttore Peter Phillips e sono il complesso vocale di musica polifonica più celebre al mondo. Grazie all’attento lavoro sull’intonazione e sulla fusione delle voci sono in grado di raggiungere una purezza e una chiarezza di suono assolute, presto divenuta la loro cifra stilistica. Tengono circa 70 concerti l’anno nelle maggiori sale, chiese e festival d’Europa, America del Nord e del Sud, Australia ed Estremo Oriente. Con la musica scritta per la cappella Sistina hanno un legame speciale, tanto che nel 1994 sono stati invitati a cantare per inaugurare i restaurati affreschi di Michelangelo nella Cappella Sistina. Pochi mesi prima avevano celebrato il quarto centenario della morte di Palestrina con un concerto nella Basilica di Santa Maria Maggiore a Roma, ove Palestrina era stato maestro di cappella. Ma hanno collaborato anche con Sting e Paul McCartney.

Il più universalmente noto dei maestri della Sistina è indubbiamente Giovanni Pierluigi da Palestrina, che costituisce l’asse portante di questo concerto: invece di eseguire un’intera sua Messa, i Tallis hanno avuto l’originale idea di mettere insieme la musica di una Messa attingendone le varie parti da cinque diverse Messe di Palestrina, che durante il concerto saranno intercalate da altri brani composti da altri maestri. Il primo in ordine cronologico è Josquin Des Prez, il più grande rappresentante della scuola fiamminga, che prestò servizio presso la Sistina alla fine del Quattrocento e incise il suo nome su un muro della cappella, dove si può ancora leggerlo. Sempre seguendo l’ordine cronologico, dopo di lui vengono il francese Elzéar Genet detto Carpentras – oggi è pressoché dimenticato, ma le sue Lamentationes Jérémie, di cui verrà eseguita la prima parte, erano uno dei brani musicali più famosi del Cinquecento – e lo spagnolo Cristóbal de Morales, quindi finalmente Costanzo Festa, il primo italiano in grado di rivaleggiare con i grandi polifonisti d’oltralpe. L’ultimo in ordine cronologico è Gregorio Allegri, che intorno al 1630 compose un brano destinato a restare leggendario per secoli, il Miserere, di cui i papi erano talmente gelosi da proibire severamente di farne copie e portarle fuori dalla Sistina, finche Mozart, dopo averlo ascoltato una sola volta, fu in grado di trascriverlo per intero a memoria!

Questi compositori fanno corona al “principe della musica”, il Palestrina, emblema e modello della musica sacra non solo cattolica ma anche delle chiese riformate. Ancora oggi lo stile “alla Palestrina” influenza i compositori di musica corale sacra. È il caso dei brani di due giovani compositori proposti dai Tallis Scolars. Sono Miserere mei dell’inglese Alexander Campkin, che passa disinvoltamente dal balletto alla musica sacra, e Quae est ista – in prima esecuzione romana – dell’inglese di origini italo-armene Justine Zara Rapaccioli, che nel suo brano riprende l’uso del doppio coro, antica tradizione della basilica di San Marco a Venezia, di cui è attualmente la vicedirettrice musicale.


Mauro Mariani (anche per le fotografie)

Isabella Ducrot Claire De Virieu. Personale a Roma

La MAC Maja Arte Contemporanea ha inaugurato giovedì 14 novembre scorso la doppia personale di Isabella Ducrot e Claire de Virieu a cui Patrizia Cavalli dedica una poesia inedita. Resterà aperta fino al 18 gennaio 2020.

In mostra un corpus di opere di recente produzione che sorge come un dialogo tradotto visivamente tramite il mezzo fotografico di Claire de Virieu e i pigmenti su carte di Isabella Ducrot.

Non si tratta di uno spazio intimo e di intesa bensì di un teatro che mette in scena due narrazioni visive apparentemente consonanti tra loro per il tema comune, i vasi e le nature morte, che invece sorprendono lo spettatore per la forza della loro dinamica dissonante, quasi un contrappunto dove i temi si rincorrono senza quiete.

I vasi della Ducrot hanno un che di irriverente rispetto allo sguardo: gli oggetti irrompono nello spazio che ha il sapore effimero di un luogo “fuori luogo” senza alcuna indicazione, se non talvolta un accenno ad un tovagliato a quadretti o delle onde marine, come se la loro ragione d’essere fosse definitivamente assoggettata alla loro stessa bellezza: “Il loro modo d’essere riguarda il loro apparire. Non sono natura ma tutto artificio. L’artista che rappresenta i vasi deve averli visti come vivi nel senso di belli a vedere, per questo li ha dipinti o fotografati.” (Isabella Ducrot). La tracotanza della loro solitaria bellezza in qualche caso si disfa arrendendosi a una inevitabile dispersione nello spazio di ciò che essi contengono, perché sono dei contenitori. Il loro contenuto, in una sorta di ribellione, evapora e sfugge alla forma, alla categoria della rotondità per disperdersi in un gioco di nuove forme. Le photogrammes di Claire de Virieu tengono a freno la bellezza assoluta dei loro vasi, liberano lo sguardo dalla superficie e dirigono l’occhio oltre la forma visibile. Sembrano infatti voler superare il limite dello spazio e del tempo, tra contenuto e contenitore, tra ciò che appare (il fenomeno) e ciò che è, risolvendo così in un gioco imprevedibile di luci e di ombre, di bianchi e di neri, l’eterna battaglia tra forma e sostanza, tra ciò che l’occhio vede e ciò che l’immaginazione prevede o desidera. I suoi vasi, che svelano un contenuto non arreso al disfacimento, quasi a resistere a quell’estremo passaggio dove la forma si arrende, possiedono tutta la forza e la risonanza di una imprevedibile vitalità: “Nella camera oscura, senza pellicola e senza macchina, l’atto del fotografo forma direttamente la materia: giochi d’ombra e di luce, libertà di accogliere e di modellare più o meno l’una, più o meno l’altra. È grazie alla loro perpetua lotta che sorge l’immagine. Le mani del fotografo agiscono sulle trasparenze luminose disposte sulla superficie sensibile, ma senza i contorni definiti l’immagine non può che rispondere come una eco al suo desiderio …” (Claire de Virieu).

Isabella Ducrot (Napoli, 1931) vive e lavora a Roma. Nei molteplici viaggi in Oriente sviluppa un particolare interesse per i prodotti tessili di questi paesi; da qui parte un percorso di ricerca artistica che prevede l’uso di materiale tessile per la realizzazione delle opere. Alla Biennale di Venezia del ’93 presenta un grande arazzo, oggi parte della Collezione del Museo di Gibellina. Del 2002 è una serie di arazzi di carta esposta all’Archivio di Stato a Milano. Nel 2005 realizza due mosaici per la stazione di Piazza Vanvitelli della metropolitana di Napoli. La Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma ospita due sue personali (2008 e 2014). Nel 2011 partecipa alla Biennale di Venezia, Padiglione Italia. Nel 2014 espone alla Galleryske di New Delhi e successivamente partecipa ad Art Basel dove torna nel 2019 con la Galerie Gisela Capitain che la espone nello stesso anno a Frieze (Londra) e alla FIAC (Parigi). Nel 2015 realizza l’installazione Effimero al Museo Archeologico di Napoli, a cura di Achille Bonito Oliva. Del 2019 sono le due personali presso la Galerie Gisela Capitain di Colonia e Capitain Petzel di Berlino. Realizza fondali per palcoscenico, per concerti e balletti (Filarmonica di Roma, Balletto del Sud di Lecce, Teatro Olimpico e Teatro Palladium di Roma). Quattro le sue pubblicazioni: La stoffa a quadri (2018, ed. Quodlibet), Fallaste Corazón (2012, ed. Il notes magico), Suonno (2012, ed. La Conchiglia), La matassa primordiale (2008, ed. Nottetempo).


Claire de Virieu (Parigi, 1948) vive e lavora tra Roma e Parigi.

I soggetti fotografici da lei più amati sono la natura e i paesaggi. Ha pubblicato diversi libri con Pierre Bergé, Marc Augé, Hubert de Givenchy, etc. Negli ultimi vent’anni questi lavori sono stati esposti in varie mostre.
Recentemente si è riavvicinata alla fotografia in bianco e nero, creando paesaggi immaginari di ispirazione giapponese e una serie di foto astratte. Nel 2017 e nel 2019 ha esposto queste ultime alla Galleria Pierre-Alain Challier a Parigi ed ha partecipato al Festival Kyotographie a Kyoto.

Un portfolio, intitolato NARA, con i suoi ultimi lavori, è stato realizzato dalle Éditions La Falaise.

Oggi Claire de Virieu è tornata nella sua camera oscura in Borgogna per creare photogrammes: un lavoro in contatto diretto con la materia fotografica, senza macchina e senza pellicola. Tutti i fiori e le foglie che utilizza e che animano i suoi fotogrammi vengono dal suo giardino che, oltre ad essere la sua seconda passione, è anche la sua più grande fonte di ispirazione.


Maja Arte Contemporanea, via di Monserrato 30 – 00186 Roma; martedì-venerdì ore 15,30-20; sabato ore 11-13 / 15-19,30; altri orari su appuntamento.

M.A.C. (anche per le immagini)